Войти в систему
Войти с помощью соц. сетей:
Одно из самых влиятельных движений в истории современного американского искусства сложилось в США в 1940-50-е годы. Оно стало возможным благодаря массовой эмиграции в военное время из Европы, превратившей Нью-Йорк в новую столицу современного искусства, «отняв» это звание у Парижа. Абстрактный экспрессионизм опирался на достижения европейского авангарда и развивал его идеи. Для него был важен полный отказ от любой формы (как биоморфной, так и геометрической), а во главу угла ставились экспрессивные, выразительные свойства цвета.
В рамках абстрактного экспрессионизма сосуществуют живопись действия и живопись цветового поля. Живопись действия, делающая акцент на динамичном и энергичном жесте, возникла из сюрреализма. Важная характеристика направления – автоматизм, то есть сам творческий процесс, а не получаемый результат. В 1947 году Джексон Поллок создал уникальную технику «дриппинг» – разбрызгивание красок прямо из банки. В основе живописи цветового поля лежит использование больших плоскостей одного цвета.
Рекомендация:
посмотреть на YouTube процесс создания Джексоном Поллоком своих работ.
Что рисует ваше воображение, когда вы слышите имена таких художников, как Казимир Малевич, Василий Кандинский, Эдвард Мунк и Пауль Клее? Можете представить их работы? Скорее всего, вы точно вспомните «Черный квадрат» и «Крик» – они вошли в историю и перешли в разряд популярной культуры. Но всех перечисленных художников, несмотря на различный стиль, объединяет одно – они авангардисты. Они отказались от классических канонов и традиций, много экспериментировали с новыми образами и формами, были новаторами, бунтарями и фактически совершили революцию в искусстве.
Особенность понятия «авангард» состоит в том, что это направление искусства не имеет стилистического единства, но всех его представителей объединяло желание создать нечто новое, страсть к экспериментам.
Рекомендация:
изучить работы Александра Родченко и сходить в корпус Бенуа Русского музея, где можно увидеть коллекцию российского искусства начала ХХ века.
Временной контекст и история заставляет художников смотреть на себя и общество с разных сторон, использовать новые средства выражения, отличные от классических. Акционизм, вовлекающий в произведение искусства зрителя, родился из изучения художниками своего тела и стремления к провокации. Из названия уже понятно, что процесс создания произведения тут важнее, чем само произведение. В акционизме художник создает произведение из самого себя, его тело может выступать в качестве привычных для нас краски и холста, а сам художник – в виде инструмента. Сам термин возник в 1960-х годах в Западной Европе и происходит от латинского «actio» – деятельность. Истоки акционизма можно найти в «танцах» вокруг своих картин американского экспрессиониста Джексона Поллока, у Ива Кляйна с его опытом создания «живых картин» – работ, созданных при помощи отпечатков тел на холсте. Кляйн даже провел публичную демонстрацию создания подобных работ: девушки, раскрашенные в синий цвет, оставляли отпечатки своих тел на холстах, а за всем этим под музыку наблюдали зрители. Фактически эта демонстрация стала первым прототипом акционистского искусства.
Большое развитие акционизм получил в Австрии – так называемый «венский акционизм». Основными членами группы были Гюнтер Брус, Отто Мюль и Герман Нитч. В России же был известен «московский акционизм», за который отвечали Александр Бренер, Олег Кулик, Авдей Тер-Оганьян, Движение Э.Т.И.
Рекомендация:
посмотреть видео на YouTube «Олег Кулик. Акции и перформансы. 1993-2003», где художника можно увидеть, к примеру, в роли человека-собаки.
В Италии во второй половине ХХ века появилось «бедное искусство», или, другими словами, арте-повера. Почему бедное? Прежде всего потому, что художники использовали в своих работах обрывки газет, тряпки, мусор, листья табака и т. д., все то, что можно было найти на помойке или в лесу. Их целью стала борьба с капитализмом, косными культурными институциями и «красивым искусством», и именно она заставила художников посмотреть в сторону подобных материалов. Если в Америке в то время господствовал «красивый» абстрактный экспрессионизм, а позднее промышленно созданные произведения в стиле минимализма, то Италия обратилась к природному и ручному в очередной попытке изменить искусство. Движение просуществовало десять лет, и сегодня работы художников арте-повера находятся в ведущих музеях, из которых они так хотели сбежать. Основные представители направления: Микеланджело Пистолетто, Джузеппе Пеноне, Лучо Фонтана, Марио Мерц и многие другие.
Рекомендация:
посмотреть по порядку четыре разные работы, чтобы понять эволюцию образа Венеры в искусстве: «Венера Урбинская» (1538) Тициана, «Рождение Венеры» (1863) Александра Кабанеля, «Олимпия» (1863) Эдуарда Мане и «Венера в лохмотьях» (1967/74) Микеланджело Пистолетто.
Представьте себе, что вы приходите в музей, и перед вами не просто картина: сверху на холст наклеены вырезки из газеты, установлено чучело животного, банки, кирпич, автомобильная шина, часы и все это, возможно, закрашено разной краской. Так вот, перед вами – ассамбляж. За этим понятием скрывается техника в искусстве, которая использует различные объекты, которые художник размещает на плоскости холста. Чем-то напоминает привычный коллаж, но отличается от него как раз своей трехмерностью. Русские художники Владимир Татлин и Александр Родченко одни из первых стали работать в технике ассамбляжа, но сам термин ввел французский художник и скульптор Жан Дюбюффе в 1953 году для обозначения своих работ, выполненных из обломков, найденных предметов и металла.
Рекомендация:
посмотреть работы Роберта Раушенберга, американского художника 1950-х годов, который вошел в историю искусств как раз своими ассамбляжами.
Войти с помощью соц. сетей: