ФАНТАЗИЯ – название одного из музыкальных жанров – виртуозного произведения свободной формы. В XVIII веке так называли вступление импровизационного характера к фуге или сонате, виртуозное сочинение на темы какой-либо оперы (то же, что транскрипция или парафраза). Позже название «фантазия» стало обозначать инструментальное произведение, отличающееся причудливым, фантастическим характером музыки.

 

ФАРФОР – посуда, статуэтки и другие художественные изделия из белой обожженной глины со специальными примесями, отличающиеся непористым строением и просвечивающие в тонком слое. Обычно их покрывали прозрачной глазурью.

Слово «фарфор» происходит от тюркского «фарфур», как называли эти изделия еще в VII веке н. э. купцы, привозившие их в Европу из Средней Азии и Переднего Востока.

Появился фарфор в Китае в IV–VI вв. н. э. С VI века эти изделия стали вывозить в страны Западной Европы, где они пользовались огромным спросом. Неудивительно, что во многих странах пытались раскрыть секрет их производства. Однако полноценный фарфор был получен лишь в 1709 году химиком Иоганном Бётгером. В 1710 году начал работать и первый фарфоровый завод в немецком городе Майсене. Изделия первого («бётгеровского») периода (1710–1719) – строгие по формам сосуды из каменной массы и фарфора. Вначале они были не белого, а коричневого цвета. Лишь через десять лет Бёттеру удалось начать производство и белого фарфора.

Расцвет майсенского фарфора, наиболее характерные изделия которого создавались в духе рококо, связан с именами скульпторов-модельеров И. Кендлера, И. Кирхнера и И. Эберляйна. В этот «скульптурный» период изготовлялись сервизы, вазы, туалетные и письменные приборы, табакерки и т. п., а также скульптурные группы (пасторали, жанровые и галантные сцены, персонажи комедии дель арте), фигурки животных, отмеченные тонким пониманием специфики фарфоровой пластики, изысканностью росписи. С 1770-х годов в майсенский фарфор, приобретающий классический характер, проникают черты академизма, и изделия становятся более строгими.

Несколько позже, в середине XVIII века, начинается производство фарфора в Севре (близ Парижа). Посуда и различные предметы, создававшиеся в Севре, украшались изысканной дробной орнаментацией, часто с изобразительными мотивами в медальонах на цветном фоне. Для изготовления отдельных фигур и групп чаще всего служил не покрытый глазурью фарфор – бисквит. Модели для них создавали Л. Буазо, Ж. Деферне, Ж. Ле Риш, Э. Фальконе.

До 1800 года изделия Севрской мануфактуры (за исключением фигур и групп) изготавливали из так называемого мягкого фарфора (без каолина), более легкоплавкого, чем обычный, а с 1772 года и там начали производить твердый фарфор.

В России состав и технология производства фарфора (засекреченные европейскими странами) были заново открыты мастером Д. И. Виноградовым, который и положил начало русскому фарфоровому производству. В 1744 году был основан Петербургский фарфоровый завод. Над усовершенствованием производства фарфора много работал М. В Ломоносов, который и разработал научные основы этого процесса. На заводе делали различные предметы сервировки стола, а также вазы, табакерки, фигурки, подсвечники. Над их росписью работали выпускники Академии художеств, где был даже открыт специальный класс. С начала XIX века изделия усложняются, что связано с открытием фарфоровых заводов в разных местах России. Это прежде всего подмосковные поселки Гжель и Дулёво, в каждом из которых складывается свой стиль фарфоровых изделий. В Гжели было освоено и производство более дешевых изделий из фаянса.

Особенно интересны изделия Петербургского завода второй половины XIX и начала XX века, когда на нем работали многие крупные художники – С. Пименов, Е. Лансере.

В советское время главным художником завода стал В. Чехонин, с именем которого связано привлечение к работе над фарфором не только художников, но и скульпторов – Н. Данько, А. Щекатихиной-Потоцкой, С. Лебедевой и др. Именно они наладили выпуск так называемого «агитационного фарфора» – посуды и статуэток, отражавших самые злободневные события. В 1925 году заводу было присвоено имя М. В. Ломоносова, и с тех пор он специализируется на выпуске уникальных образцов фарфора.

(См. Керамика, Фаянс).

 

ФАЯНС

Фаянс, как и фарфор, появился в Китае в IV–V веках н. э. Само же название, происходящее от итальянского города Фаэнца, относится к началу XVI века. Сырьем для производства фарфора и фаянса является особым образом приготовленная белая глина, называвшаяся в Китае каолином. После обжига при высокой температуре из нее получались белые звонкие полупрозрачные изделия. Фаянсовые изделия, обжиг которых происходит при более низкой температуре, непрозрачны, отличаются мелкопористой структурой и меньшей прочностью.

Поэтому фаянсовые изделия лишь внешне напоминают фарфор, существенно отличаясь от него стоимостью. Из фаянса изготовляют не только посуду, небольшие статуэтки, но и детали оформления зданий, облицовочные панно, цветные плитки, декоративные вазы. После росписи фаянсовые изделия иногда покрывают еще одним слоем глазури, отчего краски приобретают дополнительную прочность и яркость. Фаянсу свойственна большая по сравнению с фарфором мягкость формы. Поэтому изделия из него обычно имеют плавные, закругленные очертания.

 

ФЕСТИВАЛЬ (лат. festivus – веселый, праздничный) – цикл концертов или спектаклей, посвященных какому-либо значительному событию, музыке определенной эпохи, творчеству отдельного композитора. Проводятся и кинофестивали.

Часто фестивали организуются как музыкальные празднества, в которых принимают участие выдающиеся исполнители и коллективы. Такие фестивали ведут свое начало от Олимпийских игр Древней Греции, состязаний средневековых трубадуров и миннезингеров. В средневековье представления устраивались на площадях, а в эпоху Возрождения получают распространение карнавалы. Все эти массовые представления и являются предшественниками современных фестивалей.

В Европе фестивали получают широкое распространение в конце XVIII века и первоначально носят характер торжественных шествий, кортежей. Позже они становятся театрализованными массовыми представлениями, посвященными определенным событиям.

Так постепенно складывается идея проведения музыкальных и театральных фестивалей как культурного празднества. Обычно они проводятся регулярно, и крупные города имеют свою традицию фестивалей: наиболее интересными театральными программами отличаются Варшавский, Берлинский и Эдинбургский фестивали. Среди музыкальных – «Пражская весна» в Чехословакии (с 1946 года), «Флорентийский музыкальный май» в Италии (с 1957 года), фестиваль «Варшавская осень», посвященный современной музыке (с 1956 года), «Неделя Сибелиуса» в Финляндии (с 1950 года) и др.

В нашей стране фестивали организовывались в 30-х и 50-х гг. (фестивали советской музыки, музыкальных театров). С 1964 года в Москве и Ленинграде проводятся традиционные фестивали «Московские звезды», «Русская зима», «Ленинградская музыкальная весна», «Белые ночи» и др. На многих фестивалях организуются конкурсы музыкантов-исполнителей. Поэтому их нужно рассматривать как школы мастерства.

 

ФИЛАРМОНИЯ (от греческих слов phileo – люблю и harmonia – гармония (богиня музыки) – организации и общества, занимающиеся ведением концертной деятельности. Основная цель – организация концертов симфонической, хоровой, камерной и эстрадной музыки с участием собственных и приезжих музыкантов. Наряду с музыкой филармония пропагандирует иногда также различные виды эстрадного искусства (балет, художественное чтение).

В состав филармонии обычно входят крупные исполнительские коллективы (симфонические оркестры, хоры, ансамбли песни и пляски), камерные ансамбли (трио, струнные квартеты) и солисты.

Существуют и народные филармонии. Они объединяют самодеятельные коллективы и работают на общественных началах, чаще всего при клубах, являясь одной из форм организации досуга.

Одной из первых была основана Болонская филармоническая академия. В XIX веке в европейских странах и в Америке распространились филармонические общества – общественные организации, благодаря которым активизировалась концертная жизнь и пропаганда симфонической и ораториальной музыки.

В России филармонические общества были учреждены сначала в Санкт-Петербурге (1802) и затем в Москве (1883). Сегодня филармонии существуют практически во всех крупных городах России.

 

ФИЛИГРАНЬ – вид ювелирной техники, название которого происходит от сочетания лат. flium – нитка и granum – зерно (русский аналог – скань). В филиграни из тонкой золотой, серебряной или медной проволоки (гладкой или свитой из нескольких нитей и затем обычно сплющенной) выполняются ажурные узоры – отдельные элементы соединяются спайкой или напаиваются на металлический фон.

Филигрань придает изделиям легкий и изящный, декоративно выразительный облик. Она была известна в государствах Древнего Востока, Древней Греции, Этрурии, Древнем Риме, затем распространилась в Средней Азии, на Ближнем Востоке, Кавказе, в странах Балканского полуострова, Западной Европы и других.

Русская филигрань известна с IX–X веков. Очень часто филигрань сочетается с зернью или эмалью. Зернью называется техника, при которой мелкие золотые, серебряные или медные шарики (диаметром от 0,4 мм) напаиваются на ювелирные изделия (часто на орнамент из тонкой проволоки). Зернь создает эффектную световую и фактурную игру, обогащает орнаментальную ритмику изделия.

Известны изделия Красносельской ювелирной фабрики в Костромской области, Мстёрской художественной фабрики «Ювелир» (с 1937 года) во Владимирской области.

 

ФИЛЬМ (ВИДЫ И ЖАНРЫ)

Кинематограф является синтетическим искусством, что означает использование в фильме элементов театра, музыки, живописи, архитектуры, литературы. При этом мы говорим не о механическом соединении, а о слиянии художественных приемов, в результате которого и создается произведение нового вида искусства – фильм.

Все фильмы условно разделяют на две группы: игровые и неигровые. Игровое кино также называют художественным, поскольку основной его жанр – художественный фильм, в котором действуют актеры. К неигровому кино принято относить документальные фильмы и мультипликацию. Несколько десятилетий назад появился еще один вид неигрового кино – научно-популярное.

В игровом кино постепенно сложилась система основных жанров, аналогичная той, которая существует, например, в литературе. Наиболее разноплановым является художественный фильм, в котором выделился особый жанр кинокомедии. По времени появления кинокомедия является первой. Со временем в игровом кино сложились и другие жанры: лирические, эпические и драматические, они и дали соответствующие названия фильмам – лирическая комедия, психологическая драма, кинороман.

Особо следует сказать о так называемых развлекательных фильмах – детективе, вестерне, научно-фантастическом фильме, триллере. Их отличает острый, напряженный сюжет, блестящие трюковые сцены, использование спецэффектов. Каждый из этих жанров имеет свою историю бытования, за время которой расширились его разновидности. Так, вначале в детективе рассказывалось о расследовании какого-либо преступления, но постепенно рамки этого жанра расширились и появились такие его виды, как политический или сатирический детектив.

В двадцатые годы XX века в США появился жанр вестерна, в котором рассказывается о жизни первых поселенцев. Свои варианты вестернов были созданы национальными киностудиями – «Красные дьяволята» (Россия), «Три мушкетера» (Франция). Классикой считаются «Белое солнце пустыни» В. Мотыля (Россия), «Семеро самураев» А. Куросавы, «Великолепная семерка» (США).

Развитие фантастики как литературного жанра сначала привело к ее экранизации, а затем и к созданию самостоятельных сценариев. В них отразились две основные линии развития этого жанра – философская притча о будущем («Солярис», Россия) и технизированные варианты жизни наших потомков (серии звездных войн и фильмы о приключениях роботов).

 

ФИНИФТЬ – название эмали, употреблявшееся в Древней Руси. В древнерусском декоративно-прикладном искусстве финифтью называли небольшие, преимущественно медные изделия, покрытые изображениями или орнаментацией из разноцветной и непрозрачной эмали. В широко распространенных финифтяных изделиях XVII века эмалью заполнялись узоры, выложенные из металлических нитей. Особенно высокого качества достигли так называемые усольские изделия XVII в. и ростовские – XVIII века. Выдающееся собрание изделий, украшенных финифтью, хранится в Государственной Оружейной палате (Москва).

 

ФОВИЗМ – направление во французской живописи начала XX века.

Ироническое прозвище «les fauves – дикие» было дано современной критикой группе живописцев, выступивших в 1905 году в парижском «Салоне независимых» (А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген) за резкое противопоставление цветов и упрощенность форм. Время бытования фовизма можно определить в короткий период 1905–1907 (1908) годов. Однако сложилось это направление гораздо раньше и продолжило свое дальнейшее развитие в творчестве самого выдающегося своего представителя – А. Матисса (1869–1954).

Фовизм развивался практически параллельно с обществом «Мост», из среды которого вышли будущие экспрессионисты. В 1905 году они склонялись к эмоционально-колористической живописи, однако французские фовисты более тяготели к созерцательности. Так, изображая приморскую солнечную природу, они в первую очередь обращали внимание на яркость ее красок (А. Марке). Они утверждали «живопись без правил», на первый взгляд не следуя какой-то точной схеме. Красочный слой наносился на холст словно бы произвольно, либо закрашенными одним цветом крупными плоскими пятнами, либо хаотичными разноцветными густыми мазками, либо кистью, как бы просто опущенной в краску.

При сочетании пятен чистого цвета, нежелании смешивать краски они прослеживали и сложные переходы цветовых тонов. При этом фовисты тяготели к лаконичному рисунку, свободно обращались с пространством (использовали то простое, то глубинное построение картины), объем лишь намечался, сюжет вообще не играл никакой роли. Так, у Матисса предметом изображения служат самые простые и несложные мотивы: пестрые ткани и кресла, цветы, обнаженное или полуобнаженное тело.

В отличие от сложившегося в этот период немецкого экспрессионизма, фовизм не имел специфической нравственно-философской окраски.

 

ФОЛЬКЛОР – совокупность произведений народного творчества. Его формы включают устнопоэтические жанры, музыку, танцы, игры, мифологию, обряды, обычаи, ремесла, архитектуру и другие виды художественного творчества.

Само слово «фольклор» (от англ. folk – народ и lore – учение, наука) было придумано в 1846 году английским археологом Джоном Томсом. Постепенно оно стало общеупотребительным, вошло во все языки мира. В 1879 году Английское фольклорное общество официально приняло его для обозначения всей совокупности произведений народной культуры.

Так, музыкальный фольклор включает в себя песенное и инструментальное творчество народа, отражающее его историю, быт, стремления, думы. Народная музыка, являясь результатом коллективного творческого процесса, складывается на основе художественных традиций многих поколений. Передаваясь из уст в уста, народные мелодии постоянно обогащаются и видоизменяются: в различных районах страны могут существовать разные варианты одного и того же напева, наигрыша. Основная область музыкального фольклора – народная песня – важнейший источник профессиональной музыки. Отличаясь исключительным богатством и разнообразием жанров (песни обрядовые, сатирические, трудовые, игровые, лирические и др.), народные песни разных стран имеют специфические черты (подголосочная полифония русской народной песни, гармонический склад мелодии немецкой песни, прихотливый ритмический и интонационный склад многих восточных напевов и т. д.).

Важную роль в музыкальном быте всех стран играет и танцевальная музыка, также отмеченная многообразием жанров, тембровой и ритмической изобретательностью.

Широкое развитие получила музыкальная фольклористика – наука, занимающаяся собиранием и изучением музыкальных богатств, накопленных народом.

(См. также Дом, Обряд, Песня, Промыслы народные художественные).

 

ФОРТЕПИАНО (итал. forte-piano – громко-тихо) – общее название клавишно-струнного молоточкового инструмента (рояль, пианино). По сравнению с его предшественниками – клавесином, чембало, клавикордом – звук у фортепиано получался различной силы. Благодаря огромному диапазону и универсальным техническим возможностям оно приобрело большое распространение как солирующий и концертирующий, ансамблевый, иногда оркестровый, а также домашний, учебно-вспомогательный инструмент.

Изобретение фортепиано относится к 1709 году и связано с именем итальянского мастера Б. Кристофори. Внешне фортепиано представляет ящик, внутри которого находится чугунная рама с натянутыми на ней струнами. Кристофори заимствовал ряд конструктивных особенностей клавесина и клавикорда, но применил принципиально новый способ звукоизвлечения. При нажатии клавиши специальная механика приводит в действие обтянутый войлоком молоточек, который ударяет по струне. В момент отпускания клавиши особые глушители – демпферы – прекращают звучание струны. В зависимости от силы удара получается звук большей или меньшей длительности, а также различной силы – от очень тихих до очень громких. Таким образом, на новом инструменте можно было играть и piano (тихо), и forte (громко). Отсюда и название инструмента – пиано-форте (позднее – фортепиано).

Первые образцы этого инструмента были несовершенны: их звучание отличалось резкостью, недостаточной тембровой выразительностью, а диапазон был ограничен. Однако, претерпев ряд усовершенствований, фортепиано к концу XVIII века постепенно вытеснило клавикорд и клавесин с их слабым звуком и небогатыми динамическими возможностями. Важным шагом на этом пути было появление педалей, значительно обогативших звуковые и технические возможности инструмента. Фортепиано содержит струны, издающие до 90 звуков. Нажимаемые ногами педали позволяют ослабить силу звука или продлить его звучание.

В первой четверти XIX века парижский мастер С. Эрар изобрел механику с так называемой двойной репетицией, дававшей исполнителю возможность быстро повторять один и тот же звук, почти не снимая пальцев с клавиш.

Уже при Бетховене фортепиано становится ведущим инструментом в концертной практике и домашнем быту. Поиски более яркого, насыщенного звучания привели к удлинению струн, большему их натяжению (что вызвало, в свою очередь, появление прочной чугунной рамы). Закрепляются основные разновидности фортепиано – пианино и рояль.

Рояль (от фр. royal – королевский, царственный), или королевский клавесин, был создан дрезденским мастером И. Вагнером в 1774 году. Он представлял собой фортепиано с тремя педалями и регистрами. Струны, дека и механика фортепиано располагались в горизонтальной плоскости, а корпус имел форму крыла, что обусловлено различием в длине струн: басовые требуют, как известно, более длинных струн, чем звуки верхнего регистра. Струны натянуты на раму, которую раньше делали из дерева, а с середины XIX века – из литого чугуна, так как общая сила натяжения струн составляет 20 тонн. Сила и блеск звучания рояля значительно увеличиваются при поднятой крышке, которая своим положением содействует отражению звуков в сторону слушателей.

В настоящее время существует несколько типов роялей: большие концертные (длиной до трех метров), салонные (около двух метров), кабинетные (1,6–1,8 метра) и «миньоны» (1,1–1,5 метра). Наиболее известными фирмами по производству роялей являются «Бехштейн», «Блютнер», «Фёрстер», «Рёниш» (Германия), «Плейель» (Франция), «Стенвей» (США), «Ямаха» (Япония).

Пианино сконструировали сразу несколько мастеров. В 1800 году – американец Дж. Хокинс, в 1801 – австриец М. Мюллер и в 1802 – англичанин Т. Лауд. Инструмент появился потому, что возникла потребность в портативном фортепиано, не требующем столько места в комнате, сколько занимал рояль.

Пианино выглядит как высокий прямоугольный ящик с выступающей спереди клавиатурой. Современный вид оно приобрело в XX веке. Экономия места осуществляется благодаря тому, что рама со струнами расположена вертикально. Правда, расположение струн пианино в закрытом ящике уменьшает силу звука. Но ведь пианино распространено прежде всего как бытовой инструмент и лишь изредка используется для аккомпанемента.

Для фортепиано создана обширнейшая литература, которая по художественному звучанию и ценности соперничает с симфонической. К лучшим образцам фортепианного концерта можно отнести творения И. С. Баха, Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Р. Шумана, П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова, С. С. Прокофьева, Б. Бартока и др.

История исполнительства выдвинула огромную плеяду выдающихся виртуозов. Вершинные достижения в области пианизма связывали с именами Ф. Листа, А. Г. Рубинштейна, Ф. Бузони, А. Шнапеля, С. В. Рахманинова, И. Гофмана, Э. Гилельса и др. В наши дни широчайшей известностью пользуется искусство С. Т. Рихтера, В. Горовица, А. Бенедетти и др.

 

ФОРУМ

Первоначально словом «форум» обозначали рыночную площадь, которая находилась в центре римского города. Эту традицию градостроительства римляне переняли у греков, которые оставляли в центре города агору – свободное от застройки пространство, вокруг которого располагались все важнейшие учреждения: дом собраний, храмы, театры и гимнасий. На ней собиралось и народное собрание жителей города.

Римский Форум также был центром политической и культурной жизни города. На нем созывали народное собрание, судили преступников, а также устраивали различные церемонии. Первоначально он располагался между холмами Капитолий, Палатин и Эсквилин.

С V века до н. э. его украшали храмами, памятниками императоров и триумфальными арками в честь одержанных римлянами побед. Со временем его территория возрастала, поскольку к нему начали примыкать императорские форумы, устроенные в честь различных правителей Рима.

Центром римского Форума являлся храм Цезаря, вокруг которого и располагались все остальные постройки. От римского Форума начинался отсчет всех расстояний по дорогам империи. Неподалеку от храма было возведено специальное здание для табулария, то есть архива, где хранились тексты законов и важнейшие документы.

После падения Римской империи Форум потерял свое значение и некоторое время служил каменоломней. Любопытно, что после разборки основных построек место, где находился Форум, стали называть Campo Vaccino, то есть коровье пастбище. Только в конце XIX века археологи начали на этом месте систематические раскопки, после которых и стало ясно, как выглядел римский Форум в далеком прошлом.

Любопытно, что эта традиция сохранилась и в христианской Европе. Поскольку многие города возникли в местах наиболее интенсивной торговли, их центром также являлась рыночная площадь. На ней располагались лавки торговцев, а по периметру возводились все важнейшие учреждения. Важнейшим и самым высоким из них был собор с колокольней, видимой со всех концов города. От рыночной площади также начинались и все дороги.

 

ФОТОРЕАЛИЗМ – направление в искусстве, сложившееся на исходе шестидесятых и в семидесятые годы XX века. Первыми к этому направлению обратились американские художники М. Моорли и Р. Бехтль. В России фотореализм начал развиваться с середины семидесятых годов, а наиболее значительные выставки состоялись в восьмидесятые годы.

Направление возникло как сочетание приемов фотографии и живописи. Обычно работа художника-фотореалиста состоит из двух этапов: фотосъемки будущего предмета изображения и получения позитивного отпечатка в размер будущей картины. Традиционно полученный с помощью фотоаппарата снимок выполняется в виде слайда, который затем печатается на специально подготовленном холсте или фотобумаге большого формата, после этого художник дорабатывает этот снимок с помощью красок и кисти. Затем полученное изображение снова фотографируется на специальную цветную пленку. С нее выполняются также увеличенные отпечатки, которые экспонируются на обычных художественных выставках.

В конце семидесятых годов сложилось еще одно направление фотореализма, основанное на использовании приемов фотомонтажа. При этом художник делает несколько фотоснимков модели или натуры, а затем печатает их на один и тот же позитив. В результате получается изображение, которое также доделывается с помощью живописных средств, а затем снова фотографируется.

Подобный метод получил в США наименование гиперреализма. Работы русских мастеров фотореализма отличались тем, что кроме цветных они создавали и черно-белые произведения, используя различную графическую технику – итальянский карандаш, уголь, перо.

 

ФРЕСКА (итал. fresco – свежий, сырой) – техника настенной живописи водяными красками, нанесенными на свежую штукатурку, а также и произведение, выполненное в этой технике.

При высыхании на штукатурке образуется тончайшая прозрачная пленка, закрепляющая краски, благодаря которой фреска и является столь долговечной. Правда, при полном высыхании яркость цвета несколько бледнеет. Фреска является одной из основных техник стенных росписей, поэтому она тесно связана с архитектурой.

На Руси фреска появилась вместе с мозаикой. В первых постройках, например в росписях Софийского собора в Киеве и Михайловского златоверхого монастыря (Киев, не сохранился) мозаичные изображения соседствовали с фресковыми. Однако мозаика не получила широкого распространения в Древней Руси, а фресковая живопись стала неотъемлемой частью древнерусского храма.

В Новгороде сформировался самобытный новгородский стиль фресок. Представление о нем дают росписи церкви Георгия в Старой Ладоге (ок. 1167), Благовещения в Аркажах (1189), Спаса на Нередице и Снетогорского (1313) монастырей. Им свойственна повышенная экспрессия образов, одухотворенность и патетика образов, стремительность движения. Таковы росписи церкви Федора Стратилата (1370–1380), Успения на Волотовом поле (ок. 1390).

К середине 1590-х годов в Москве формируется так называемая Годуновская школа, мастера которой пытались возродить в живописи монументальное начало (фрески Смоленского собора московского Новодевичьего монастыря).

XVII век приносит много нового в древнерусскую живопись. В XVII в. были расписаны московская церковь Троицы в Никитниках, ярославская церковь Ильи Пророка. Этим росписям свойственна спокойная, повествовательная тональность. Художник рассказывает зрителю, а не пытается поразить его. Позы персонажей спокойны, а выражения их лиц умиротворенны.

К фресковой росписи обращались и художники последующего времени. Обычно она выполнялась для оформления интерьеров зданий.

 

ФРИЗ (франц. frise) – в декоративной скульптуре и живописи изобразительная или орнаментальная композиция в виде сплошной полосы декоративных, скульптурных, живописных и других изображений (часто орнаментального характера), окаймляющей верх стен, поверхность пола помещения, поле ковра. В дорическом и ионическом ордерах фриз расчленяется на триглифы и методы, в коринфском ордере заполняется сплошной лентой рельефов или остается пустым.

 

ФРОНТОН (итал. frontone) – треугольная или циркульная верхняя часть фасада здания между двускатной крышей и антаблементом.

 

ФУГА (лат. fuga – бег) – одночастное (обычно однотемное) многоголосное полифоническое произведение.

Форма фуги оказалась удивительно стабильной и существует уже на протяжении почти трех столетий, практически не меняясь. Секрет здесь в удивительной ее форме, основанной на приемах имитации, т. е. на поочередном изложении и преобразовании одной темы. Существующие в фуге три или четыре голоса, прозвучав, как бы передают эстафету друг другу. Сначала тема проходит у каждого голоса в основной тональности, затем в других и лишь в конце – вновь в основной.

Фуга сформировалась в XVI–XVII веках и явилась высшей имитационной формой, завершением развития полифонического многоголосия на протяжении многих столетий, начиная с IX века. Как высшая форма полифонической музыки окончательно сформировалась в творчестве И. Баха и Г. Генделя в первой половине XVIII века.

Фуги могут быть самостоятельными произведениями (фуги И. Баха). При этом они часто предваряются прелюдиями, фантазиями, токкатами, вариациями («Фантазия и фуга соль минор» И. Баха, «Вариации и фуга на тему Перселла» Б. Бриттена) или другими сочинениями импровизационного характера. Из них составляются сборники – например, «48 прелюдий и фуг» И. Баха, «24 прелюдии и фуги» Д. Шостаковича.

Фуга может служить частью крупной циклической формы: сонаты, сюиты, квартета. Элементы фуги (фугато, фугообразные эпизоды) встречаются в музыке разных стилей.

 

ФУНКЦИОНАЛИЗМ – направление в развитии европейской архитектуры XX века, В его основе лежат пять принципов, сформулированных французским архитектором Ле Корбюзье: дом на столбах, дом на плоской крыше, свободная планировка интерьера, горизонтально-протяженные окна, свободная композиция фасада.

Именно после утверждения принципов функционализма появились новые типы домов – галерейные, коридорного типа, дома с двухэтажными квартирами, плоскими покрытиями, удачным решением экономичных квартир со встроенным оборудованием, рациональным планированием интерьера (введение передвижных перегородок, звукоизоляция и пр.). Любопытно, что функционализм позволял строить дома в зависимости от их предназначения – в городских районах с высокой плотностью населения в Англии преобладала многоэтажная застройка, на окраинах сохранялись коттеджи. Учитывалась национальная специфика и особенности старой застройки, в предместьях Парижа или Берлина, напротив, строились самые высокие жилые здания.

(см. также Архитектура, Баухауз, Неопластицизм, Рационализм)

 

ФУТУРИЗМ (лат. futurum – будущее) – одно из первых авангардистских течений, по своему значению сопоставимо лишь с кубизмом, которому отдает первенство. Основными странами распространения были Италия и Россия.

Сложность определения данного течения связана с неоднозначностью оценки времени его бытования и влияния на искусство XX века. Большинство исследователей соглашаются в том, что футуризм заявил о себе с 1909 года, через год после первой выставки кубистов в Париже, и просуществовал как мировое явление до 1915 года. В России футуризм сохранился в рамках левого искусства до конца двадцатых годов.

Причиной появления футуризма было стремление изобрести искусство нового, машинного, индустриального века, поэтому главным стало создание нового динамического стиля, разрушающего традиции, каноны и приемы старого искусства. Вместе с тем налицо и эклектичность, использование отдельных приемов других стилей. Футуризм проявился в различных сферах искусства – театре, кино, музыке, графике.

Главой и теоретиком футуризма считается итальянец Филиппо Томмазо Маринетти. По количеству манифестов с футуристами было трудно соперничать: это и «Манифест футуристической живописи» (1910), и «Футуристическая музыка» Ф. Претелла, и «Воображение без сна, или мертвые на свободе» (1913). Они провозгласили, что объектом искусства должен быть не предметный мир, а движение, передаваемое художником с помощью синтеза времени, места, формы, цвета и тона. Так, итальянский художник и скульптор Баччиони писал, что мы синтезируем «время, место, форму, цвет, тон и конструируем таким образом картину».

Для передачи движения использовались приемы дивизионизма (от французского diviser – делить) и симультанизма (simultanius – одновременность), «синтез того, что вспоминаешь, и того, что видишь». Практически это приводило к многократному умножению зрительных образов в пределах одной композиции. Предметы множатся, деформируются, накладываются друг на друга, никогда не остаются неподвижными. Таким образом, у бегущих лошадей на картинах футуристов и появлялись не четыре, а двадцать ног. По мнению Баччиони, так удалось преодолеть статичность кубизма и добиться передачи движения. Теория «пластического динамизма» Баччиони, разработанная в 1913 году, опиралась на бергсоновский принцип «duree» и концепцию энергии Эйнштейна.

Футуризм основывался на современных научных и философских теориях своего времени, такого сочетания идей не знали другие течения. Вместе с тем он был достаточно неоднозначным, поскольку безудержное воспевание технического прогресса приводило к стремлению достичь цели во что бы то ни стало. Создание идеального общества, например, выглядело утопическим и привело к тому, что Маринетти, один из основателей течения, поддержал фашистский режим, соединив свою «утопию» с «утопией» определенного политического движения.

В дореволюционной России футуризм из-за своей лженоваторской и псевдореволюционной демагогии получил достаточно ограниченное распространение. Он активизировался в годы военного коммунизма, но вскоре перестал существовать как художественное направление.

В обычном словоупотреблении термину футуризм нередко придается широкий смысл, охватывающий всю совокупность крайних формалистических течений в европейском искусстве.