Лекция 4

Добаховская эпоха

Общие линии музыкального развития, которые мы проследили в предыдущих лекциях, начиная с XII века, географически проходили через Францию, Фландрию, Италию и параллельно Англию, и наконец центр музыкального искусства перемещается в Германию. Здесь музыка эпохи барокко получает наивысший расцвет и завершение. Связано это с теми глубинными смысловыми процессами, о которых я уже говорил. Лютеранство принесло в музыку необыкновенное богатство личностного религиозного содержания. Переживания христианской душой всех событий христианской истории в сердечном, личностном преломлении, религиозное чувство единства с Богом, спасение во Христе, также тленность мира сего, страдания, смерти и воскресения создают чрезвычайную углубленность искусства, его необыкновенную сердечность, сосредоточенность и интимность. Это достигается все более и более изощренными средствами музыкальной выразительности, которая достигла непревзойденной и доныне вершины в творчестве Иоганна Себастьяна Баха. Но у Баха были великие предшественники, о которых мы сейчас и расскажем, – более подробно о немецких его предшественниках и более конспективно о композиторах той эпохи Франции и Италии.

Первый, о ком здесь нужно упомянуть, это великий немецкий композитор Генрих Шютц, родившийся 8 октября 1585 года. Он прожил очень долгую жизнь и умер 6 ноября 1672 года. Шютца очень ценили как музыканта, начиная с его раннего детства. Уже в 1598 году ландграф Мориц Гессен-Кассельский, в пределах которого жила семья Шютцов, восхищенный музыкальными способностями мальчика, взял его с собой в столицу своего графства, Кассель, где Шютц стал певчим и учился музыке у придворного капельмейстера. В 1609 году Шютц по обычаям того времени поступил на юридический факультет университета в городе Марбурге, однако по совету своего ландграфа и при его финансовой поддержке оставил университет и отправился в Италию, в Венецию, чтобы продолжить обучение музыке у известного композитора Джованни Габриэли. В 1613 году, проведя в Венеции более трех лет, он вернулся к кассельскому двору и стал исполнять там должность придворного музыканта. Год спустя он был послан ко двору курфюрста Саксонии, в Дрезден. Там он очень понравился, и в 1615 году Иоанн Георг I, курфюрст Саксонии, изъявил желание, чтобы Шютц у него остался навсегда. Ландграф Мориц, подчиненный курфюрста, вынужден был согласиться. С этого времени вся жизнь композитора будет связана с Дрезденом. Шютц много путешествовал, часто отлучался из Дрездена, как по собственным делам, так и по поручениям курфюрста. Еще несколько раз он бывал в Италии. На его жизнь пришлась эпоха Тридцатилетней войны, трагического события в жизни, прежде всего, Германии, хотя оно коснулось и всей Европы. В Германии в результате этой войны население сократилось ровно на половину. Ужасы военного времени Шютц пережил сам лично, непосредственно, что, конечно, сказалось на его искусстве. В его наследии преобладает духовная музыка на библейские тексты, как в латинском переводе, так и в немецком. Его перу принадлежит очень много произведений такого рода. Лишь некоторые его композиции написаны на свободные тексты или на тексты лютеранских хоралов. Служил Шютц органистом и капельмейстером в известной дрезденской кирхе, Кройцкирхе (нем. Kreuzkirche), церкви Святого Креста. Те, кто бывал в этой церкви, не могут не вспомнить ее суровый, аскетический вид – она лишена всяких излишних украшений, действительно производит очень строгое впечатление. Под стать тому и творчество Шютца: внешне не пышная, производящая несколько угловатое впечатление, очень сосредоточенная, аскетическая музыка, но это компенсируется ее внутренними глубинами, в которых запечатлелся жизненный опыт композитора – опыт войны и глубочайших религиозных чувств.

Давайте с вами послушаем одно из произведений Генриха Шютца на парафраз из библейской книги «Песнь песней». Ее текст гласит: «Тает душа моя, ибо глаголет возлюбленный мой. Сладок глас его, и лик его прекрасен. Уста его источают благовоние мирра».

Это было произведение Генриха Шютца из цикла «Священные песнопения», написанного на тексты из Священного Писания. Как мы убедились, это уже вокально-инструментальное произведение, в котором инструменты не просто дублируют вокальные голоса, но существуют уже самостоятельно, очень важной функцией, раскрывая содержание того, о чем поет голос.

Творчество Шютца – это наиболее совершенное для своего времени воплощение лютеранской, протестантской идеи поэтической музыки, т. е. музыки, способной воплощать и выражать религиозные чувства человека. В нем же можно услышать и осложненные трагическими событиями Тридцатилетней войны чувства композитора. Мы слышим в музыке Шютца чрезвычайный субъективизм, углубленность, ощущение трагизма, хрупкости земного существования. Эта музыка не лишена некоторой колючести и неудобности, но если все-таки вслушаться, то можно получить очень богатое впечатление.

Давайте с вами послушаем еще одно «Священное песнопение» Генриха Шютца на сюжет из второй книги Царств, когда царю Давиду принесли весть о смерти его сына Авессалома, «О, сын мой, Авессалом!».

Мы слышим в этой музыке какое-то невероятное сосредоточение, самоуглубленность, и на примере этих двух песнопений мы можем судить о том, что привнесло лютеранство в музыкальное искусство. Это отрешенность от внешнего и субъективность в лучшем смысле этого слова.

Следующий немецкий композитор, о котором следует сказать, это Дитрих Букстехуде (родился около 1637 года, а умер в 1707 году), датско-немецкий органист, самый крупный представитель северогерманской органной школы добаховского периода в истории музыки, один из наиболее известных композиторов эпохи барокко. Большинство исследователей полагают, что он родился в городе Хельсингёр, ныне принадлежащем Швеции, а тогда бывшем частью Дании. В шекспировском «Гамлете» это место называется Эльсинором, где отец Дитриха Букстехуде в течение многих лет занимал место органиста в церкви Св. Олафа. Букстехуде был датчанином по рождению, но затем переехал в Германию. Как все немецкие музыканты его поколения, Букстехуде испытал сильное влияние нидерландской композиторской и органной школы. Но преобладающим для него осталась, конечно же, немецкая школа. Букстехуде учился у учеников Генриха Шютца, здесь можно увидеть прямую передачу эстафеты.

В 1668 году церковный совет северогерманского города Любека предложил Букстехуде место органиста в церкви Св. Марии. С тех пор и до конца своих дней композитор жил в Любеке. Пост органиста Мариенкирхе считался одним из лучших в Европе, но имел одну особенность – по традиции новый органист должен был жениться на старшей из незамужних дочерей прежнего органиста. Букстехуде так и сделал (такой еще средневековый обычай), женился на Анне-Маргарите, дочери предыдущего органиста. Брак оказался счастливым. Между прочим, из-за этого в старости Букстехуде испытывал затруднения при выборе приемника. Многие органисты, в том числе Бах и Гендель, отказались работать в Любеке, поскольку необходимость жениться на старшей дочери Букстехуде нисколько их не прельщала.

Хотя Букстехуде – автор многих произведений в самых разных жанрах духовных видов церковной музыки, а также инструментальных пьес для клавесина, скрипки, светской вокальной музыки, главное в его наследии – органное творчество. Именно оно, отличающееся наибольшей самобытностью, оказало большое влияние на следующее поколение немецких музыкантов. Известно, что И. С. Бах пешком отправился в город Любек, чтобы слушать престарелого уже Букстехуде и учиться у него.

Стиль композитора очень смел, свободен, богат фантазией, часто виртуозен и отображает типичные черты северонемецкого стиля, такого, с одной стороны, не пластичного, не гладкого, импровизационного, характеризуемого резкостью переходов, но с другой – несущего черты радикального самоуглубления, когда переходы и перепады музыки вызваны не какими-то внешними факторами, а внутренней жизнью композитора.

Давайте с вами послушаем органную хоральную прелюдию Букстехуде на праздник Рождества Христова.

Эта музыка, несомненно, оказала большое влияние на И. С. Баха. Здесь мы уже слышим то религиозное самоуглубление, которое будет свойственно для хоральных прелюдий Баха. Этому, конечно, он научился у своих предшественников.

Сейчас мы с вами услышим еще одно органное сочинение Букстехуде, «Прелюдию ми мажор», в ней как раз и проявятся те качества, о которых я сказал, – импровизация, некоторая резкость переходов, богатство фантазии и виртуозность.

Еще один немецкий композитор, о котором необходимо упомянуть, – Иоганн Пахельбель, родившийся в 1653 году в Нюрнберге, умерший в 1706 году. Его творчество – одна из вершин южнонемецкой органной музыки периода барокко. Наиболее значителен вклад Пахельбеля в развитие протестантской церковной музыки, в развитие фуги и хоральной прелюдии, то, что впитал И. С. Бах в своем творчестве.

Пахельбель получил первоначальное музыкальное образование в церкви Св. Себальда, где учился у органиста этого храма. В 15 лет он поступил в Альтдорфский университет на юридический факультет. Во время обучения работал органистом в одной из церквей. Почему-то большинству композиторов того времени было свойственно поступать именно на юридический факультет: и Шютц, и Гендель… И Пахельбель тоже стал студентом юридического отделения. Однако, не проучившись и года, он был вынужден бросить университет из-за финансовых затруднений.

Музыкальное образование композитор продолжил, и в 1673 году Пахельбель стал вторым органистом собора Св. Стефана в Вене. Пробыв там несколько лет, он переезжает в Эйзенах, где получает должность придворного органиста Иоганна Георга, герцога Саксен-Эйзенахского. Там он сближается с семьей Бахов, становится близким другом отца И. С. Баха Амвросия. Дружба эта сохранилась и после переезда Пахельбеля в Эрфурт, где в 1678 году он получил должность органиста местной церкви. После этого он сменил еще множество мест службы и вернулся в Нюрнберг, где и прожил весь остаток жизни, служа органистом и капельмейстером.

Перу Пахельбеля принадлежит множество произведений, но самое известное, можно сказать, хит – это «Канон ре мажор для струнного оркестра», который мы с вами сейчас и послушаем.

Так как мы говорим о предшественниках Баха, то нужно упомянуть композиторов не только немецких, но и французских, и итальянских. Не буду утомлять вас подробностями жизни этих композиторов, просто обозначу их пунктиром, и мы послушаем некоторые их произведения. Все эти композиторы второй половины XVII – начала XVIII века.

Представитель французской музыки – Жан-Филипп Рамо, придворный композитор короля Людовика XIV. Вот его клавирное сочинение «Тамбурин», известно каждому обучающемуся в музыкальной школе.

Продолжала плодоносить и итальянская музыка. Вот несколько ее представителей.

«Адажио» из концерта для гобоя Бенедетто Марчелло. Вам, наверное, известна эта музыка, она часто звучит в кинематографе.

Еще более известная музыка принадлежит перу Томазо Джованни Альбинони – это его популярное «Адажио», которое опять же благодаря кинематографу приобрело уже такие похоронные коннотации.

Еще один итальянский композитор, оказавший значительное влияние на последующее развитие инструментальной музыки, – Арканджело Корелли. В его творчестве выкристаллизовался такой жанр, как concerti grossi (кончерто гроссо), основывающийся на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов. В этом жанре в середине XVIII века успешно выступал Георг Фридрих Гендель.

Сейчас мы с вами послушаем отрывок из Кончерто гроссо № 8 Арканджело Корелли.

А закончим мы с вами, конечно же, Антонио Вивальди, мимо которого пройти невозможно, не только потому, что это самый популярный и «раскрученный» итальянский композитор того времени для современного слушателя, но и потому, что И. С. Бах очень внимательно изучал творчество этого композитора.

Антонио Вивальди написал более четырехсот инструментальных концертов для скрипки с оркестром, виолончели и других инструментов. Русский композитор И. Ф. Стравинский по этому поводу иронически говорил, что на самом деле Антонио Вивальди написал всего один концерт, но в четырехстах вариантах.

Наиболее известный скрипичный концерт – это, конечно, «Времена года», который, на мой взгляд, не принадлежит к наилучшим образцам творчества Вивальди. Мы с вами послушаем концерт для гитары с оркестром «Соль мажор» Антонию Вивальди и этим закончим лекцию.