Войти в систему
Войти с помощью соц. сетей:
Скоростью и ее красотой еще в начале XX века были одержимы итальянские футуристы. В их манифесте, опубликованном в 1909 году Филиппо Маринетти, говорилось о надвигающемся прогрессе технологий. «Мы утверждаем, что великолепие мира обогатилось новой красотой – красотой скорости. Гоночная машина, капот которой, как огнедышащие змеи, украшают большие трубы, и ревущая машина, мотор которой работает как на картечи, прекраснее статуи Ники Самофракийской», – писал Маринетти. Вот только изобразить скорость при помощи традиционной живописи и статичной скульптуры было невозможно.
Кинетическое искусство зародилось в 20-30-х годах XX века. Название направления происходит от греческого «kinetikos» – «движение». Первым произведением кинетического искусства нередко называют «Велосипедное колесо» Марселя Дюшана. Обычное колесо художник прикрепил к простой табуретке. Арт-объект стоял в мастерской Дюшана, и он любил запустить вращение и смотреть, как колесо крутится.
У истоков кинетического искусства стоял американец Александр Колдер. В 1926 году он приехал в Париж, где нашел новую для своей скульптуры форму – стал делать фигурки из проволоки. А с начала 1930-х годов начал создавать абстрактные динамические конструкции. Они приводились в движение мотором и получили название «мобили». Один из них как раз привез из заграничной командировки заместитель Людмилы Прокофьевны в фильме «Служебный роман»: «Знаете, наш XX век, такой ритм, суматоха… Приходишь с работы – успокаивает нервы».
Кстати, сам термин «мобиль» придумал все тот же Марсель Дюшан. Однажды он пришел в мастерскую Колдера и попросил потрогать одну из работ, на которой к тому моменту еще даже не просохла краска. Скульптор разрешил, но взамен предложил придумать к ней название. В дальнейшем работы Колдера приводились в движение не только при помощи механики, но и естественным способом.
В 1955 году в парижской галерее Denis Rene кинетическое искусство соседствовало с оптическим. Художники оп-арта в своих работах использовали различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Движущиеся объекты и оп-арт живопись не только расширяли границы художественной формы, но и утверждали новые способы взаимодействия с публикой и ее вовлечения в творческий процесс.
В странах Восточной Европы и Латинской Америки расцвет кинетического искусства пришелся на послевоенное время. Художники, росшие в тени двух мировых войн и жившие в годы холодной войны, искали новые формы проектирования будущего. Одной из представителей направления была художница Лигия Кларк, которая была также известна по своим конструктивистским работам и по тому, что стояла у истоков неоконкретизма. Кларк стремилась интегрировать искусство в повседневную жизнь и много внимания уделяла изучению цвета и пространства. В 1960-х художница создавала скульптуры, которым дала название «bichos» («зверьки»). Арт-объекты задумывались Кларк как живые существа – интерактивные игрушки, способные менять форму.
В СССР первые идеи кинетического искусства были связаны с именем Владимира Татлина. Его проект «Памятника III Интернационалу» сочетал в себе динамичные формы сквозной стальной конструкции с кинетическим эффектом вращения стеклянных тел. Во второй половине XX века кинетическими эффектами занималась группа «Движение». Правда, работы советских кинетистов скорее могли существовать как образцы научно-технических изобретений, а не современного искусства. Одним из интересных российских художников, работавших в этом направлении, был Вячеслав Колейчук. Он исследовал принципы создания парадоксальных визуальных эффектов и возможности динамической формы. К примеру, его скульптура «Стоящая нить» состоит из струны, которая закреплена лишь с одной стороны, но, несмотря на это, не падает. Держаться вертикально ей помогает система противовесов.
Рекомендация:
изучить творчество таких художников, как Яков Агам, Поль Бюри, Хесус Рафаэль Сото и Жан Тенгли.
Масштабно первыми в своих работах коллаж стали использовали Пикассо и Жорж Брак в 1910-1912 годах, хотя эту технику применяли и задолго до XX века, но в искусстве коллаж начал встречаться как раз в эпоху модернизма. Слово «коллаж» происходит от французского coller, что значит «клей». Название говорит само за себя: это прием в искусстве, который соединяет в одном произведении разные элементы, но помимо только композиции он включает в себя еще и смысл. Анри Матисс, к примеру, описал процесс создания коллажа как «рисование с помощью ножниц». Активно в этой технике работали дадаисты, кубисты и футуристы, которые использовали обрывки газет, плакатов, кусочки ткани и тому подобное. Они наклеивались на готовые живописные полотна или создавались как единая отдельная работа. Коллаж позволил художнику экспериментировать, совмещать несовместимое, выходить за грань обычной живописи, а также эпатировать и удивлять.
В технике коллажа работали не только Пикассо и Брак, но и Курт Швиттерс, Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон и многие другие. Фрагмент коллажа Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» считается первой работой в стиле поп-арт.
Рекомендация:
изучить коллажи Пабло Пикассо.
Одно из немногих течений в искусстве, которое появилось в России сразу после Октябрьской революции, в момент, когда художники особо остро искали новые средства и формы выражения. Как говорили конструктивисты, искусство ради искусства не имеет смысла, и нужно создавать произведения, которые будут служить народу. Демократия и утилитаризм – главные принципы направления, которое противостояло роскоши. Первоначально конструктивизм был одним из направлений в архитектуре, позднее течение распространилось на живопись, графику, скульптуру, книжное производство, плакаты и т. д. Художники, работавшие в этом направлении – Степанова, Родченко, Ган и другие.
Рекомендация:
найти в поисковике «здания в стиле конструктивизма» и изучить их.
Войти с помощью соц. сетей: