92

Иногда на выставках современного искусства посетитель начинает недоумевать, не понимая, куда, собственно говоря, он попал, неужели это скопище какого-то непонятного барахла, больше похожее на лавку старьевщика или на городскую свалку бытовых отходов, действительно художественное произведение и к какому виду и жанру искусства все это может относиться. Порой действительно бывает очень сложно понять, что сейчас искусство имеет не только традиционные формы картинки, повешенной на стену, или скульптуры, водруженной на постамент посреди зала.

Уже в начале XX века авангардистам становится тесно в рамках традиционных художественных форм. Как известно, помимо архитектуры, существуют три вида изобразительного искусства: живопись и графика, скульптура и декоративно-прикладное искусство. В начале XX века в творчестве художников-новаторов появляются коллажи, мобили, инсталляции. Эти художественные формы нельзя отнести даже к декоративно-прикладному искусству, поскольку его произведения предполагают наличие практического использования предметов, сделанных на очень высоком художественном уровне. С тарелок знаменитых фарфоровых заводов ели, на стульях, сделанных великими краснодеревщиками, сидели, прялками с самыми замечательными росписями пряли и так далее. Вещи, которые начали делать художники-авангардисты, никак нельзя было использовать практически.

В 1912 году французские кубисты Пабло Пикассо и Жорж Брак впервые представляют публике произведения, названные коллажами. Кроме кубистов в ту же эпоху технику коллажа часто используют русские авангардисты, например, А. Лентулов, О. Розанова и др.

Коллаж (слово происходит от французского collage, что значит приклеивание, наклейка) – это особая техника создания произведения живописи, которая заключается в наклеивании различных фрагментов материалов – как плоских (бумага, кусочки газет, обоев, тканей и т. д.), так и объемных (проволока, дерево, веревки, металл и т. д.). В сущности, техника коллажа мало чем отличается от аппликаций, которые все дети осваивают в самом раннем возрасте на занятиях в детском саду или младших классах школы. Единственное, что отличает детские поделки к праздникам от взрослых произведений искусства, – то, что дети просто вырезают фигурки и наклеивают их на бумагу, а взрослые ищут в этом глубокий смысл.

Коллаж все же представляет собой еще традиционное изображение на плоскости, хотя и сделанное с использованием необычных материалов. Следующим шагом были знаменитые реди-мейды Марселя Дюшана, предвосхитившие в самом начале XX века творческие поиски постмодернизма.

Возможно, самым первым подобным объектом было его «Велосипедное колесо», которое вообще считают первым реди-мейдом в истории искусства. Художник всего лишь водрузил самое обычное колесо от самого обычного велосипеда на самую обыкновенную табуретку.

Реди-мейд (ready-made, то есть по-английски «готовый») – это один из приемов современного искусства, который заключается в экспонировании в качестве художественного объекта предметов промышленного производства. Это название впервые использовал Марсель Дюшан, определив таким образом свои «готовые объекты» 1913–1917 годов. Основная идея реди-мейда заключается в том, что когда обыденный предмет меняет свое привычное место в быту на выставочный зал, то меняется и его восприятие публикой. Зритель видит в нем уже не конкретную вещь, а некую метафизическую форму, имеющую более глубокий скрытый смысл.

ДЮШАН И ЕГО ВЕЛОСИПЕДНОЕ КОЛЕСО

Марсель Дюшан также считается изобретателем жанра инсталляции – особой художественной формы, в основе которой лежит использование изначально нехудожественных объектов.

Инсталляция (в переводе с английского – установка) – это пространственная композиция, которую художник составляет из самых разных элементов, например, предметов быта, промышленных изделий, природных объектов, фрагментов текстов или изображений. Когда обычная вещь становится частью инсталляции, она утрачивает свои обыденные функции, но приобретает значение некоего символа. Содержание инсталляции как раз и заключается в игре, в смене смысловых значений, в преображении окружающей среды.

Все эти новые художественные формы, ознаменовавшие своим появлением создание нового общества, потребляющего искусство, так же, как оно потребляет все остальные блага цивилизации, требовали обязательного присутствия зрителя, который становился частью игры. Эта своеобразная художественная игра и стала основополагающим смыслом существования многих художественных направлений. Театральное или игровое действие теперь входит в пластические структуры как их неотъемлемая часть.

Искусство авангардизма, кубизма, абстракционизма фактически уничтожило вещь, предмет на холсте, а в новых видах искусства художники возвели на пьедестал реальные практические материальные объекты.

Причин появления такого искусства было несколько:

– бурное развитие в эту эпоху промышленного дизайна, в котором зачастую участвовали те же самые художники-авангардисты, разрабатывавшие проекты для оформления бытовых предметов;

– возрастающий интерес художников к вещи как таковой, а также некоторый страх перед типовыми тиражируемыми предметами;

– активное использование индустриальных мотивов в искусстве конструктивизма;

– развитие фотографии и кинохроники и превращение их в искусство.

Дальнейшее развитие подобного искусства особенно активно идет в эпоху начала постмодернизма, в 1960–1970-х годах. Тогда появляются новые формы и способы самовыражения художников, уже совершенно не связанные с плоскостью холста, на который наносятся краски. Это энвайронмент, ассамбляж, аккумуляция, еще более активное развитие инсталляции и мобилей.

Отдельное место среди новых художественных форм XX века занимает кинетическое искусство, или кинетизм. Оно окончательно оформилось как самостоятельный вид художественного творчества во второй половине 1950-х годов. Но ему предшествовали опыты с движущимися объектами, которые осуществляли и авангардисты, и конструктивисты, в том числе и в России до и после революции, и дадаисты.

Например, еще в 1917 году мастера русского авангарда В. Татлин, А. Лентулов, А. Родченко для оформления угла в зале кафе «Питтореск» в Москве соорудили мобиль, то есть передвижную композицию.

Главная отличительная особенность кинетизма – это применение движущихся конструкций и элементов. Кинетическое произведение должно динамически преображаться, иногда эти действия должен производить зритель, а иногда – колебания воздушной среды. Самые распространенные варианты движущихся конструкций предполагают использование мотора или электромагнитных сил. В некоторых случаях возникает только иллюзия движения объекта благодаря меняющемуся освещению. Группа кинетистов появилась в 1960-х годах даже в Советском Союзе, она называлась «Движение».

Следующим шагом в истории искусства можно считать такие произведения, в которых вообще нет ничего, что можно было бы поставить или повесить в выставочном зале. Это акционизм и концептуальное искусство.

Акционизм – это обобщенное название целого ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. К акционизму относятся хэппенинги, перформансы, искусство процесса, искусство демонстрации. Представители акционизма считают, что художник не должен больше создавать статичные формы, а должен организовывать некие события, процессы, акции или даже провокации, вовлекая в них случайных или специально подготовленных людей. При этом хэппенингом называют событие, спровоцированное его инициаторами, которое разыгрывается на природе или в городской среде, куда вовлекают и случайную публику. Перформанс же – это короткое представление, исполненное одним или несколькими участниками перед посетителями музея или галереи. Перформанс заранее планируют, он проходит по некоей программе, в отличие от менее организованного хэппенинга.

Концептуальное искусство возникло в 1960-х годах. Его основная идея состоит в отказе от воплощения художественной мысли в материале, то есть искусство сводится исключительно к «искусству в голове», к феноменам сознания. По мнению концептуалистов, традиционные изобразительные формы только отвлекают от восприятия идеи, предложенной художником. Концептуалистские объекты существуют исключительно в виде набросков, письменно или устно изложенных проектов, коротких фраз или пространных текстов. Короче говоря, по мнению концептуалистов, искусство нужно заменить идеей искусства.

Можно подумать, что после всего этого искусство вообще кончилось, и больше говорить не о чем. Разумеется, это не так. Параллельно с этими формами художественного творчества продолжали существовать и другие, вполне традиционные и даже архаические. А это была всего лишь одна из многочисленных линий развития искусства XX века.