НАБИВКА – вид декоративно-прикладного искусства; ручной способ получения цветного узора на ткани при помощи рельефных форм, а также сама ткань с узором, полученным способом набивки. Формами служат резные деревянные доски либо наборные медные пластинки с гвоздиками. При набивке на ткань накладывают покрытую краской форму и ударяют по ней специальным молотком (отсюда и ее название). Для многоцветных узоров число печатных форм должно соответствовать числу цветов.

Художественные особенности набивки заключаются в графическом лаконизме линий и обобщенности цветовых пятен. Нередко графическая строгость узора смягчается естественно возникающими при ручной печати наложениями цветовых пятен друг на друга, трепетной прерывностью линий, пределами светлого, неокрашенного фона.

Набивка известна с X–XII веков, особенно была развита в XVI–XVIII веках. С конца XVIII века она стала вытесняться машинным печатанием тканей, однако сохраняется в ряде промыслов (преимущественно стран Азии и Африки), а также у отдельных художников, которые экспериментируют с ней для создания новых образцов модной одежды или тканей.

В России мастерами народного промысла в Павловом Посаде под Москвой с помощью набивки изготовляются головные платки.

 

НАБРОСОК – произведение графики, живописи или скульптуры небольших размеров, бегло исполненное художником. Главное назначение наброска – быстрая фиксация отдельных наблюдений или замыслов в процессе текущей работы художника. Набросок может исполняться с натуры либо по памяти или воображению.

Набросок композиции будущей картины, хотя бы и очень общий, обычно называется эскизом.

 

НАДГРОБИЕ – произведение скульптуры или какое-либо сооружение, предназначенное для установки на могиле для увековечения памяти усопшего. При этом не всегда осуществлялось захоронение умершего. Этим надгробие отличалось от гробницы, вмещающей в себя тело умершего, и ложного надгробия – кенотафа.

В Древней Греции надгробиями служили статуи и стелы с изображением умершего. Основным типом надгробия в Западной Европе с XI века стала тумба (пустая каменная или бронзовая коробка, прикрытая плитой со статуей, рельефным или гравированным портретом умершего. Обычно она устанавливалась в интерьере церкви, в склепе которой находилось захоронение. На средневековом Кавказе, Румынии, на Балканах были распространены хачкары – каменные плиты с орнаментальной резьбой. Китайское надгробие также имело вид вертикальной плиты, но на ней высекались не портреты, а имена умерших. Плиты воздвигались одна рядом с другой и постепенно превращались в свободно стоящие мраморные стелы.

В эпоху Возрождения надгробия, как правило, вытесняются гробницами. В надгробиях XVII–XVIII веков портреты все чаще сочетаются с символами бренности земного бытия и аллегорическими фигурами, большую композиционную и смысловую роль играют надписи. В это время надгробная скульптура оформляется в отдельный жанр круглой скульптуры.

С конца XVIII – начала XIX веков надгробия устанавливались большей частью не в церквях, а на кладбищах, которые со временем превращались в своеобразные музеи, как, например, некрополь Александро-Невской лавры в Петербурге.

На рубеже XIX-ХХ веков религиозно-дидактическое начало постепенно ослабевает и украшением могилы все чаще становится портрет умершего или эмблема, играющая чисто мемориальную роль.

 

НАЛИЧНИК – декоративное обрамление оконного проема. Состоит обычно из фартука, двух вертикальных полотенец (иногда заменяемых колонками или полуколонками) и подоконной части, нередко украшенных резьбой. В деревянной архитектуре наличники закрывают щель между бревенчатой стеной и оконной коробкой. Термин «наличник» применяют обычно к русской архитектуре XV – начала XVIII веков.

 

НАРОДНЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ – музыкальные инструменты, созданные народом, прочно укоренившиеся в его музыкальном быту. К русским народным инструментам относятся домбра, гусли, балалайка, баян; к украинским – бандура, кобза; к инструментам кавказских народов – тар, кеманча; в республиках Средней Азии распространены домра, комуз, карнай; у испанцев – гитара, в Италии – мандолина.

Во многих странах очень популярны оркестры и ансамбли народных инструментов. Так же, как в профессиональных инструментах, среди народных инструментов можно выделить струнные, щипковые, духовые, ударные.

Долгое время считалось, что на народных музыкальных инструментах можно исполнять лишь народную музыку. Только после появления оркестров и ансамблей народных инструментов стало очевидным, что им под силу исполнение любой музыки. В России такой оркестр был организован дирижером Андреевым и быстро завоевал популярность у слушателей.

 

НАРОДНЫЙ КАЛЕНДАРЬ

Народный календарь сложился из ежегодно повторявшейся последовательности различных видов трудовой деятельности крестьянина-земледельца. Весь год для него делился на два больших периода – теплый и холодный. Центром теплого периода было время летних полевых работ – вспашка земли, посевы и посадки, сбор урожая. После сбора урожая начинался длительный зимний период, в течение которого производилась обработка собранного и постепенное доживание до следующего теплого времени – лета. Так и считали годы – по летам.

Поэтому новый год встречали весной, когда день удлинялся, становилось теплее. Главным богом древних славян было солнце, поэтому и основные праздники были связаны с ним – солнце призывали, затем встречали, приветствуя его приход и наступление тепла, и благодарили за хороший урожай. С принятием христианства эти праздники не были забыты, они лишь объединились с теми, которые были связаны с празднованием событий жизни Иисуса Христа. Главный праздник христиан – Пасха, всегда отмечаемый весной, – соединился с языческим новым годом, а к остальным праздникам (всего их 12, и они так и называются – «двунадесятые») приурочили выполнение тех или иных сельскохозяйственных работ.

Так постепенно и сложился народный календарь. Он зафиксирован в множестве примет, пословиц и поговорок, подсказывавших земледельцу, когда и что надо было делать в поле или дома.

 

НАСКАЛЬНЫЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ (петроглифы) – изображения животных, сцен охоты, а также отдельных предметов, выполненные первобытным человеком на скалах и стенах пещер в местах его древних поселений в Европе, Северной Америке, Сибири и других. Существуют наскальные изображения, нанесенные краской, выполненные гравировкой, высеченные в виде рельефа. По мнению ученых, вначале они выполняли обрядовые функции. Нарисовав на стене пещерного медведя или свирепого тигра, охотники затем протыкали его копьями, чтобы обеспечить успешную охоту на него.

Другие обряды были связаны с обязательным умилостивлением духа уже убитого зверя. Поэтому рядом с наскальными изображениями часто находят кости, части шкуры, когти, черепа различных хищников.

Иногда на стенах пещер изображались и сцены удачной охоты – пасущиеся животные и подбирающиеся к ним охотники. Любопытно, что наскальные изображения отличаются очень точной передачей всех особенностей зверя, благодаря чему они и стали основой для реконструкции облика исчезнувших животных по скелетам.

Так от бытового и ритуального предназначения живопись постепенно становилась художественной.

 

НАТУРА (лат. natura – природа) – в практике изобразительного искусства: любые явления, существа и предметы, которые художник изображает (или может изображать), наблюдая как модель – непосредственно в ходе самой работы.

Целиком и прямо с натуры исполняются, как правило, лишь этюд, набросок, зарисовка и некоторые произведения самостоятельного значения (портрет или пейзаж). Создание тематической композиции в живописи, графике и скульптуре всегда требует от художника-реалиста многих выполненных с натуры подготовительных этюдов и зарисовок. Тщательное изучение натуры – одно из важнейших условий убедительного, живого воплощения художником любого реалистического замысла, и в то же время оно говорит о его профессиональной подготовке.

 

НАТУРАЛИЗМ – направление в европейской и американской литературе и искусстве последней трети XIX века (теоретик и глава направления Э. Золя, братья Э. и Ж. Гонкур, А. Хольц, Г. Гауптман, С. Крейн, Ф. Норрис, К. Лемонье – в литературе; А. Антуан, О. Брам – в театре; Э. Мане, К. Менье, К. Кольвиц – в живописи). Натуралисты объявили своей целью передачу человеческой природы во всей полноте ее проявлений. Поэтому главным объектом их творческих поисков был человек в его непосредственном окружении. Они стремились зафиксировать его с максимальной полнотой, не упуская и тех подробностей, которые традиционно считались «неподходящими» для искусства. Но вместе с тем художники-натуралисты внесли немало свежего, нетрадиционного в сложившиеся жанры искусства, раздвигая их границы.

Вот, например, картина Э. Мане «Завтрак на траве». Обычная сцена – художники (современники их легко узнавали) собрались в парке, чтобы провести время и одновременно поработать над обнаженной моделью. Естественно, что эта ситуация находилась «на грани» допустимого нормами морали того времени, и ее изображение уже было своеобразным вызовом.

В литературе натурализм проявился иначе – в том, что писатели (например, Э. Золя) показывали в своих произведениях такие уголки жизни, которые раньше как бы «не замечались». Например, в романе Э. Золя «Жерминаль» рассказывается о нелегком труде шахтеров, будни которого показаны писателем со страстной реалистичностью и даже жесткостью.

Творчество ведущих писателей, в свою очередь, оказало влияние на художников. Это видно на примере творчества А. Тулуз-Лотрека, К. Менье, Т. Стейнлена. В их произведениях появились ранее «непринятые» герои – крестьяне, балерины, наркоманы, проститутки, обитатели городских низов – клошары.

В критической литературе XIX века термин «натурализм» нередко употреблялся как синоним реализма, отсюда пошло название «натуральная школа».

В русской живописи XIX века также проявилось влияние натурализма, правда, по-иному, чем в европейской. Это прежде всего картины художников-передвижников, ярко передающие жизнь простых людей. В их облике нет ничего примечательного, но чувства их настолько ясны и понятны, что каждая из таких картин становилась событием на выставке. Правда, в России натурализм так и не сформировался в самостоятельное художественное направление, оставшись лишь одним из приемов изображения человека.

 

НАТЮРМОРТ (франц. nature morte – букв, «мертвая натура») – один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, снеди (овощей, мяса, битой дичи, фруктов), цветов и прочего. Отдельное произведение этого жанра также называется натюрмортом.

Задача художника в области натюрморта состоит не только в передаче вещей самих по себе, но и в том, чтобы выразить отношение к ним человека данной эпохи, а через них к окружающему его миру вообще. Вот почему голландский натюрморт XVII века явился поэтическим отражением национального голландского быта.

Исторически появление натюрморта связано с развитием реализма в живописи, с расширением ее технических и познавательных возможностей, с освоением способов воссоздания в картине многообразной конкретной материи. Натюрморт формируется в самостоятельный жанр в XVI веке и достигает особого расцвета в XVII веке, прежде всего в голландской и испанской живописи.

В русском искусстве натюрморт появился несколько позже – в XVIII веке, вместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи.

Время расцвета этого жанра – конец XIX – начало XX века. Это прежде всего импрессионистические работы К. Коровина и И. Грабаря, произведения художников группы «Мир искусства». Яркие, пронизанные светом и полнотой мироощущения натюрморты создали художники группы «Бубновый валет» – И. Машков, А. Куприн, А. Лентулов, Н. Гончарова, соединяя элементы четкого реалистического изображения с новыми художественными приемами новых школ (кубизма, футуризма, экспрессионизма).

 

НЕКРОПОЛЬ (греч. nekropolis, от nekros – мертвый, polis – город) – «город мертвых», большое кладбище на окраине древних городов. Некрополи существовали еще в Древнем Египте, откуда этот обычай и переняли греки. Кроме гробниц в некрополе находились и колумбарии – хранилища урн с прахом кремированных тел.

В настоящее время некрополем называют большое кладбище с интересными в художественном отношении надгробиями. В Москве это Новодевичье, а в Петербурге – Волкове кладбище.

 

НЕМОЕ КИНО

Так называется период с 1895 года – времени рождения кино – до начала 30-х годов, когда в кино пришла звукозапись.

Сначала кино было лишь технической новинкой, аттракционом; может быть, поэтому и сюжетами первых короткометражек становились цирковые номера, комические сценки, видовые фильмы.

С 1908 года во многих странах появляются так называемые «художественные серии» – снятые на пленку известные театральные спектакли, фильмы по литературным произведениям. В немом кино второго десятилетия XX века выдвинулся ряд талантливых режиссеров и актеров – Я. Протазанов, Е. Бауэр, В. Гардин, И. Мозжухин, В. Холодная.

Время расцвета немого кино – 20-ые годы, когда начали работать С. Эйзенштейн, В. Пудовкин, А. Довженко, Ч. Чаплин. Их фильмы отличались своеобразным почерком, индивидуальным стилем, раскрывали глубокий смысл происходивших в то время социальных процессов. В то же время героем их становился простой человек, что приближало кино к зрителю и постепенно делало его массовым искусством.

Главная особенность немого кино – отточенная пластика актерской игры, поскольку следовало передавать содержание образа лишь жестом, движением, мимикой. Эти приемы сохранялись и после появления звукозаписи, потому что многие режиссеры, как, например, Ч. Чаплин, использовали ее очень осторожно.

Но остановить технический прогресс невозможно, а кроме того, со временем становилась очевидной ограниченность возможностей актера для выражения сложных чувств и переживаний. Поэтому немое кино и уступило место кино звуковому.

 

НЕОИМПРЕССИОНИЗМ (см. также Импрессионизм) – течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 года. Его основными представителями были П. Сера и П. Синьяк.

Для передачи своего впечатления об изображаемом объекте художники прибегали к различным оптическим эффектам, например, разлагая сложные тона на чистые цвета. Они считали, что разделение цвета на чистые тона и ритм четких линий могут раскрыть новые грани в изображении обычных предметов.

От этого положения отталкивались и художники-кубисты. Вот, например, картина Жоржа Брака «Гитара» (1908). Сочетание овальных и ломаных линий с переходами различных цветов создает впечатление негромко звучащего аккорда. Эти поиски были в дальнейшем продолжены представителями фовизма.

 

НЕОКЛАССИЦИЗМ

Этим понятием в европейском искусстве объединяют развитие традиций классицизма в конце XVIII – начале XIX века, в отличие от классицизма рубежа XVII–XVIII веков. В русском искусстве так называют и оживление этих традиций в живописи, скульптуре и особенно архитектуре рубежа XIX–XX веков. Архитекторы использовали классицистические приемы отделки фасадов и интерьера, соединяя их с особенностями стиля модерн. Это прежде всего работы Ф. Шехтеля, И. Жолтовского, В. Щуко.

Проявился неоклассицизм и в живописи. К традициям мастеров раннего Возрождения художники и скульпторы обращались как к своеобразному эталону. Достаточно вспомнить картины Н. Гончаровой, скульптуры С. Коненкова, С. Меркурова. Для них была характерна ярко выраженная гуманистическая тональность.

Традиции классицизма и особенно стиля ампир сказывались и в официальном искусстве 30–50-х годов, которое принято связывать с периодом тоталитарной идеологии. Это явление характерно как для русского, так и для искусства ряда европейских стран – Германии, Италии.

 

НЕОПЛАСТИЦИЗМ – одна из ранних разновидностей абстрактного искусства, созданная к 1917 году нидерландским художником К. Мондрианом и другими художниками, входившими в объединение «Стиль». Для них характерно стремление к «универсальной гармонии», которое выражалось в строго размеренных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и раскрашенных в разные цвета спектра.

Представления «Стиля» создали в живописи так называемую геометрическую разновидность абстрактного искусства (П. Мондриан, организатор и теоретик «Стиля» – Т. ван Дусбюрг и др.), а в архитектуре – строгие и аскетичные, математически четкие по композиции постройки (архитектурные проекты ван Дусбюрга, работы Я. Й. П. Ауда, Г. Ритвелда), приближавшиеся к принципам функционализма.

Неопластицизм просуществовал до 1931 года.

 

НЕФ (от лат. navis – корабль) – вытянутое помещение, напоминающее по форме корабль (отсюда и название), являющееся центральной частью интерьера базилики, собора или православного храма. Обычно неф ограничен с боковых сторон рядом колонн или продольных столбов.

 

«НОВАЯ ВЕЩЕСТВЕННОСТЬ» – течение в немецкой живописи и графике 1920-х гг., известное под названием «магический реализм». Возникшее как реакция на формалистические крайности дадаизма и экспрессионизма, оно было связано с очередной волной неоклассицизма и с интересом к реалистическому изображению действительности в классических традициях. Рубежом в его деятельности стала выставка немецкого искусства, прошедшая в 1925 году в Мангейме. После нее это течение заняло ведущее положение в немецком искусстве.

Социальному и идеологическому хаосу буржуазного общества и лихорадочному ритму современной жизни мастера «новой вещественности» пытались противопоставить модель кристаллически ясного, мистифипированно-предметного мира. Воссоздавая этот искусственный мир в преувеличенно четких, тщательно детализированных формах, художники выражали ощущение отчужденности от бездушной, механической действительности. Влияние «новой вещественности» прослеживается и в живописи других стран, и прежде всего Франции и США.

Один из наиболее интересных мастеров этого направления – американский художник Т. Бентон (1889–1975). Он изображал все, что его окружало, но при этом так неуловимо заострял и изменял черты привычных предметов, что они начинали восприниматься как одушевленные чудовища, которые, по словам одного из критиков, «все время ползли и извивались». По приемам сатирического гротеска это течение стало одним из предшественников сюрреализма.

 

НОКТЮРН (фр. nocturne – ночной) – распространившееся в XIX веке название сравнительно небольших инструментальных (редко – вокальных) пьес лирически созерцательного характера с выразительной певучей мелодией.

В основе ноктюрна обычно лежит широко известная певучая мелодия, благодаря чему он зачастую представляет своеобразную инструментальную песню. Ноктюрны чаще всего пишутся для фортепиано, но встречаются и для других инструментов, а также для ансамблей.

Наиболее известны ноктюрны Ф. Шопена. Плавная, мелодичная музыка ноктюрна передает красоту ночной природы, озаренной серебристым светом луны.

 

НЭЦКЭ – произведения японской миниатюрной декоративно-прикладной пластики из дерева, слоновой кости и металла. Получили распространение в конце XVII–XVIII вв. С помощью нэцкэ (имеющего сквозные отверстия для шнура) к поясу кимоно прикрепляются трубка, кисет, веер и другие небольшие предметы. Наиболее широко распространены объемные нэцкэ в виде отдельных фигурок, иногда составляющих целые композиции (на религиозные, исторические и бытовые сюжеты), а также плоские дисковидные, часто с рельефной металлической вставкой в центре.

Фигурные нэцкэ, нередко отличающиеся острой эмоциональной выразительностью, сохраняют общую монолитность формы при тонкой проработке отдельных, правдиво трактованных деталей.

 

НЮ (франц. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению обнаженного тела, преимущественно женского. Ню зародилось в эпоху Возрождения в рамках мифического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Мастера этого периода унаследовали античное преклонение перед красотой человеческого тела. Изображения нагого женского тела у Джорджоне, Тициана, Корреджо и других воплощают идеальные представления итальянских гуманистов о женской красоте и часто овеяны философско-поэтическими ассоциациями, именно поэтому их герои – это всегда персонажи греческих или библейских легенд и мифов.

Формирование ню как жанра происходило в XVII веке. В произведениях П. Рубенса мы видим характерные для искусства барокко пышные формы. Прелесть юной, цветущей красоты передает чувственное, полнокровное восприятие мира («Шубка», около 1638–40). Изображение обнаженного женского тела стало главной темой в картине Д. Веласкеса «Венера с зеркалом» (1651). Рембрандт отказывается от идеализации модели, трактует модель в интимно-бытовом плане («Женщина, входящая в воду», 1655).

В XVIII веке изображение обнаженной модели широко распространяется в искусстве Франции периода господства стиля рококо, для которого характерны утонченно-грациозные, кокетливые, проникнутые откровенной чувственностью произведения Ф. Буше. В первой половине XIX века Ж. О. Д. Энгр предложил идеальные классические каноны красоты («Источник», 1856). В его работах обнаженная модель также воплощает сюжеты античных мифов.

В середине XIX века Г. Курбе и прежде всего Э. Мане предлагают изображение обнаженной модели в современном и даже обыденном окружении («Олимпия», 1863). В произведениях О. Ренуара нагое женское тело изображается в единстве с пейзажем, как бы купающимся в свете и воздухе («Обнаженная, освещенная солнцем», 1876).

В искусстве XX века изображение обнаженной модели обычно связывается с поисками новых художественных средств выражения (П. Пикассо, Ж. Руо, К. ван Донген, А. Модильяни), что приводит к усилению экспрессивности образов.