Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага Андалузской провинции Испании. При крещении мальчик получил длинное замысловатое имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо. По испанскому обычаю, в него нужно было включить имена всех почитаемых святых и родственников семьи. Позже Пабло взял себе фамилию матери – Пикассо, так как отцовская казалась ему слишком обыденной. К тому же его отец, Хосе Руис, сам был художником.

Художественные способности у Пабло проявились рано. Технике рисования его обучал отец. Когда мальчику исполнилось семь, Хосе уже поручал ему дописывать некоторые элементы своих картин. А когда Пикассо подрос, отец доверил ему дописать довольно большой натюрморт. По легенде, художника так поразила техника сына, что он бросил заниматься живописью. На тот момент Пабло было тринадцать лет.

В этом возрасте Пабло Пикассо поступает в Барселонскую академию художеств. Подготовка к экзамену, как правило, занимавшая у студентов месяц, для Пикассо была сущим пустяком – он потратил на нее лишь неделю. Несмотря на свой юный возраст, он удивил комиссию своим мастерством и был успешно зачислен в академию.

Когда Пабло исполнилось шестнадцать, отец решил отправить его в мадридскую академию Сан-Фернандо, считавшуюся на тот момент лучшей школой искусств во всей Испании. Так в 1897 году юный художник переехал в Мадрид. Впрочем, занятия в академии продлились недолго – меньше года. Пабло окунулся в водоворот развлечений мадридской жизни, а также увлекся изучением работ интересовавших его тогда художников – Эль Греко, Диего Веласкеса, Франсиско Гойи.

Имя Пабло (в переводе с испанского – «Малый») было знаковым для будущего художника-авангардиста. Отражая сущность его физического недостатка (рост Пабло был всего 158 см; его даже называли Карликовым Минотавром), это имя породило в Пикассо комплекс маленького человека, мечтающего о величии, славе, признании и власти над женскими сердцами.

Самые известные из ранних работ художника: «Первое причастие» (1896) – большое полотно, изображающее сестру Пабло Лолу, «Автопортрет» (1896), «Портрет матери» (1896).

Во время учебы в Сан-Фернандо Пикассо впервые приехал в Париж – признанную тогда европейскую столицу искусств. В течение нескольких месяцев он посетил все парижские музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Гогена, Тулуз-Лотрека, Ван Гога и многих других. Кроме того, он увлекался финикийским и египетским искусством, японской гравюрой и готической скульптурой. Как губка, он впитывал всю интересующую его информацию. В Париже художник познакомился с коллекционером и торговцем картинами Амбруазом Волларом, поэтами Гийомом Аполлинером, Максом Жакобом и др. К 1904 году Пикассо окончательно перебрался во французскую столицу.

Молодой художник оказался в нужное время в нужном месте – в бурлящем водовороте творческой жизни Парижа начала прошлого века. В этом, пожалуй, и заключался основной секрет его успеха. Горячий испанский темперамент, невероятное жизнелюбие, необычный взгляд на мир и абсолютная уверенность в собственной неповторимости обеспечили Пикассо и его нестандартному творчеству неподдельный интерес публики.

Нельзя сказать, что Пабло обладал высокой техникой письма. Однако он был неплохим графиком и сумел привнести в живопись несвойственное ей графическое мировосприятие, отказавшись от передачи глубины пространства, игры светотени, цветовых нюансов. Все эти тонкости были чужды молодому амбициозному художнику, искавшему самовыражения и признания в парижской богеме начала XX века. Его коллеги по цеху – Ривера, Модильяни, Сутин, Брак – пытались найти новые пути в искусстве, но преуспели в этом далеко не все. Творчество же Пикассо оказалось созвучно времени, поэтому нашло отклик у публики.

Искусствоведы обычно разделяют биографию и творчество Пикассо на несколько периодов.

«Голубой» и «розовый» периоды охватывают промежуток с 1901-го по 1906 год. В произведениях первого периода преобладали образы меланхолии, нищеты и печали, сами же полотна были окрашены в голубые оттенки. Самые известные работы этого времени – «Любительница абсента», «Свидание» – сейчас выставлены в Эрмитаже (Санкт-Петербург); картина «Нищий старик с мальчиком» находится в Москве. Для «розового периода» характерны более жизнерадостные тона – охристые и розоватые. Любимыми персонажами Пикассо в это время были бродячие актеры, арлекины, акробаты: «Шут» (1905), «Семейство комедиантов» (1905), «Акробат и молодой Арлекин» (1905).

В 1904 году художник познакомился с моделью Фернандой Оливье. Она вдохновила его на создание многих знаковых работ этого периода. Влюбленные жили в Бато-Лаву-ар – центре богемной парижской жизни. Это было мрачноватое полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами. Здесь собиралась самая разношерстная публика: художники, поэты, торговцы и даже дворники… Живя на грани нищеты в немыслимом творческом беспорядке, художник искал себя и писал портреты возлюбленной.

Всемирно известную работу «Девочка на шаре» (1905) исследователи относят к переходному этапу между «голубым» и «розовым» периодами. Также в конце «розового» периода были написаны «античные» картины – «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906) и др.

В 1906 году Пикассо начал писать портрет Гертруды Стайн. Результат никак не мог удовлетворить художника, и он переписывал картину около восьмидесяти раз. Это стало переломным моментом в творчестве Пикассо. От изображения конкретных людей он перешел к изображению человека в целом и к форме как к самостоятельной структуре.

С 1907-го по 1909 год наступает «африканский» период творчества Пикассо. Африканская культура вдохновила его на создание многих известных работ. Особенно его интересовали африканские скульптуры и маски с их первобытной простотой форм – он считал их наделенными магической силой.

В 1907 году Пикассо написал знаменитых «Авиньонских девиц». Над ними он работал больше года – дольше и тщательнее, чем над другими своими произведениями. Картина вызвала неадекватную реакцию в обществе, шокировав и возмутив публику. Многие исследователи считают эту работу отправной точкой современного искусства. Она стала первым шагом художника на пути к кубизму.

Вместе с Жоржем Браком и Хуаном Грисом Пикассо создает новый стиль живописи – кубизм. Период кубизма в его творчестве охватывает промежуток с 1909-го по 1917 год. К нему относятся такие работы, как «Женщина с веером» (1909), «Портрет Фернанды Оливье» (1909), «Портрет Амбруаза Воллара» (1910), «Натюрморт с плетеным стулом» (1911–1912), «Скрипка и гитара» (1913) и др. Чтобы не допустить превращения кубизма в чисто абстрактную эстетику, понятную лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: веревки, обои, песок и др.

Кубизм был воспринят в обществе довольно негативно. Но, несмотря на это, картины Пикассо очень хорошо продавались. Наконец-то он смог выбраться из нищеты и переехать в просторную светлую мастерскую. Свои любимые вещи: сосуды необычной формы, гитары, старый ковер, коллекцию африканских масок – он, конечно же, захватил с собой. Художник всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, и его совершенно не волновало, хорошо ли они смотрятся вместе.

В 1911 году Пикассо разорвал отношения с Фернандой. Его новой любовью стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил на Монпарнасе и в Авиньоне. Она вдохновляла его на создание новых кубических работ. Одной из них стала картина «Обнаженная. Я люблю Еву» (1912). Затем для художника наступили тяжелые времена: война, мобилизация и расставание со многими друзьями, неожиданная болезнь и кончина любимой Евы…

Весной 1917 года Пикассо отправляется в Рим, чтобы сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету Сергея Дягилева Там он знакомится с Ольгой Хохловой, одной из танцовщиц дягилевской труппы. В 1918 году Пабло и Ольга сочетаются браком, а в 1921-м на свет появляется их сын Поль.

Период с 1918-го по 1925 год считается неоклассическим. В это время картины Пикассо очень далеки от кубизма: для них характерны четкие и понятные формы, светлые тона, правильные пропорции. Самые известные работы этого периода – «Купальщицы» (1918), «Женщины, бегущие по пляжу» (1922), «Детский портрет Поля Пикассо» (1923). Смена стиля художника снова сопровождалась бурной критикой, как и в случае с кубизмом.

Новый перелом в творчестве Пикассо произошел в 1925 году. В это время художник написал картину «Танец» – агрессивную, болезненную, с деформированными фигурами. Она отразила трудности в личной жизни художника. Так начался период сюрреализма (1925–1936). Самые известные работы этого времени: «Купальщица, открывающая кабинку» (1928), «Фигуры на пляже» (1931), «Женщина с цветком» (1932) и др.

Зимой 1927 года в жизни Пикассо произошла еще одна судьбоносная встреча – он познакомился с семнадцатилетней Марией-Терезой Вальтер. Она стала его единственной моделью и героиней нескольких известных картин, таких как «Зеркало» (1932), «Девушка перед зеркалом» (1932), а также вдохновила Пикассо на создание скульптуры «Женщина с вазой» (теперь она стоит на могиле художника). В 1935 году Мария-Тереза родила ему дочь Майю, но к 1936 году художник расстался и с женой, и с любовницей. Впрочем, с Ольгой Хохловой он официально так и не развелся – вплоть до ее смерти в 1955 году.

В 1930–1934 годах Пикассо увлекался скульптурой. В это время он создал ряд сюрреалистических скульптурных работ: «Лежащая женщина» (1932), «Мужчина с букетом» (1934), а также гравюр – иллюстраций к «Метаморфозам» Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934).

В 30-е годы в творчестве художника также появился ключевой для него образ быка, Минотавра, символизирующий разрушительные силы, войну и смерть. Пикассо создает много работ с этим персонажем («Минотавромахия», 1935).

Война в Испании стала ключевой темой нового творческого периода Пикассо. Главная работа этого времени – знаменитое полотно «Герника» (1937). Художник трудился над ним два месяца. Картина была выставлена в испанском павильоне на Всемирной выставке во Франции. На ней изображен раненый конь, павший воин и подбегающая к нему женщина. На заднем плане – безутешная мать с убитым ребенком, бык и женская фигура в огне с поднятыми вверх руками. В темноте видна длинная рука со светильником – символ веры. Когда гестапо однажды устроило обыск в доме Пикассо, нацистский офицер, увидев на столе фото «Герники», спросил: «Это вы сделали?» На что художник ответил: «Нет. Это сделали вы».

В 1937 году Пикассо также создал серию «Мечты и ложь генерала Франко» (в 1936 году во время гражданской войны в Испании художник поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко).

Во время Второй мировой войны Пикассо жил во Франции, где сблизился с коммунистами – участниками Сопротивления. В этот период он создал еще несколько картин с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: «Натюрморт с бычьим черепом» (1942), «Утренняя серенада» (1942), «Бойня» (1944–1945) и скульптуру «Человек с ягненком» (1944).

Уже после войны, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе – курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. В этом же году он знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Вскоре она родила ему сына Клода и дочь Палому. Своей новой музе художник посвятил картину «Женщина-цветок».

С 1947 года Пикассо поселился на юге Франции, в городе Валлорисе. Там он занялся керамикой, изображая своих излюбленных персонажей – женщин, кентавров, фавнов, быков, голубей. В 1949 году художник рисует своего знаменитого «Голубя мира» на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже.

В 1953 году Франсуаза ушла от Пикассо, забрав с собой детей. Она не выдержала его сложного характера и постоянных измен. Художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в некоторых его работах того времени – например, в серии рисунков тушью, изображающих омерзительного старого карлика рядом с юной прекрасной девушкой. В 1950-е годы он также создает вариации на темы знаменитых мастеров – Веласкеса, Гойи, Мане в свободной характерной для него кубистической манере: «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955), «Менины. По Веласкесу» (1957), «Завтрак на траве. По Мане» (1960) и др.

В 1958 году Пикассо, уже признанный и прославленный мастер, создает монументальную композицию «Падение Икара» для здания ЮНЕСКО в Париже. В 1961 году он, почти 80-летний старик, женится на 34-летней красотке Жаклин Рок, ставшей для него секретаршей и верным другом. Жаклин вдохновляет его на серию портретов. Для себя и жены художник покупает виллу в Каннах.

Жаклин Рок стала последней большой любовью Пикассо. Она ухаживала за ним, уже больным, ослепшим и почти глухим, до самой его смерти. Художника-мультимиллионе-ра не стало 8 апреля 1973 года. Он умер в возрасте 92 лет в городе Мужене (Франция) и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Еще при жизни мастера, в 1970 году, в Барселоне был открыт Музей Пикассо (картины для него передал сам художник). А в 1985 году с помощью его наследников был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч документов, рисунков, коллажей, эстампов.

• Пабло Пикассо сегодня известен во всем мире как художник, скульптор, график, театральный декоратор, керамист и дизайнер.

• Он стал основоположником кубизма, в своих работах представляя человека как ряд совмещенных плоскостей. По его словам, он изображал мир не таким, каким его видел, а таким, каким его ощущал. В этом и заключается высшая ценность творчества.

• Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры XX века.

• Эксперты объявили Пикассо самым дорогим художником: в 2008 году продано его работ (только официальных!) на 262 миллиона долларов.

• По результатам опроса почти полутора миллионов читателей, проведенного газетой The Times (2009), Пикассо был признан лучшим художником среди мастеров, живших за последние 100 лет. Его картины занимают первое место по «популярности» среди похитителей.

«С моим сыном, который создан только для самого себя и ни для кого другого, не может быть счастлива ни одна женщина» (Мать Пикассо – его жене Ольге Хохловой).

«Он любит страстно и интенсивно, а потом убивает то, что любит» (Поль Элюар).

«Сексуальные стимулы были основной движущей силой его лирических взлетов; желание, как он сам его видел, было насилием, расчленением, смятением чувств, негодованием, излишеством» (Пьер Кабан).